La démarche de pédagogie et de scénarisation de la série se base sur la découverte progressive d’énigmes. Le point de départ est toujours une très riche documentation historique et scientifique et parfois visuelle. Ce ne sont pas les énigmes elles-même qui sont intéressantes pour la médiation, mais l’aventure partagée de cette recherche ou le processus de la découverte qui séduit et enchaîne le spectateur. Ce dernier court après un secret. Et cette course devient le moteur de sa curiosité.
Les gens font des milliers de kilomètres pour aller voir des images dans des musées que bien souvent ils ne comprennent pas, car elles font référence à des univers très codés qui ne connaissent pas, malgré les fiches, malgré les textes explicatifs, malgré les cartes géographiques, et qui finissent par créer une sorte d’insatisfaction.
L’information muséale n’a pas toujours les clés pour répondre aux attentes des spectateurs. Il s’agit de révéler, mais pas n’importe quoi et pas n’importe comment. Il y a un rituel de la révélation : l’analyse stylistique, le mystère, le suspens, la mémoire personnelle sont habilement manipulés par le médiateur pour captiver son audience et conserver l’attention de chacun.
Pour lutter contre la prolifération des images, Alain Jobert choisi une écriture visuelle économe, précise, découpée en gros plans, comme une enquête policière. L’ironie est parfois présent dans le ton de la voix off, jamais bavarde. Dans chaque épisode, on partage le plaisir de la découverte.

La médiation n’a pas vocation principale d’apprentissage, car l’Histoire de l’art est plus compliquée que le simple plaisir de regarder un tableau, mais elle peut permettre de déchiffrer un mystère et de créer un « instant décisif » de compréhension, qui permet au spectateur de comprendre ce qu’il y a d’original dans une œuvre ou de jouir du message de l’artiste.