Je hais les voyages
« J’avais voulu aller jusqu’à l’extrême; n’étais-je pas comblé, chez ces gracieux indigènes que nul n’avais vu avant moi, que personne peut-être ne verrait plus après ? Au terme d’un exaltant parcours, je tenais mes sauvages. Hélas, ils ne l’étaient que de trop. (…) Aussi proche de moi qu’une image dans le miroir, je pouvais les toucher, non les comprendre. Je recevais du même coup ma récompense et mon châtiment. »
Claude Lévi-Stauss (1908-2009)
Autour de la Vierge au Lapin
Cet automne, le musée du Louvre fait place à une installation issue de la collaboration MuseumLab. Trois dispositifs multimédia proposent d’explorer de nouveaux modes d’analyse de l’oeuvre d’art et donnent des clés de lecture de La vierge au Lapin de Titien, par le biais d’analyse plastique et iconographique commentée par Jean Habert, conservateur général au département des peintures.
Ces dispositifs ont été mis au point lors de la troisième expérience menée par le Louvre – DNP (Tokyo, Japon) en 2008. D’une très grande sobriété et d’une élégance parfaite, ces dispositifs permettent aux visiteurs de se plonger dans la composition du tableau physiquement, d’avoir un aperçu des clés de lecture de l’oeuvre et de pouvoir parcourir les détails du tableau avec une loupe interactive.
Une adaptation in-situ dans le palais du Louvre, pour laquelle reciproque a pris part comme assistant à maitrise d’ouvrage.
Démenagement
L’agence Reciproque a déménagé ce week-end. Nous sommes maintenant installés au 12 rue Saint-Maur, toujours dans le 11e arrondissement, dans une ancienne boulangerie en rez de chaussée. Après un mois de travaux, une nouvelle architecture réseau et une décoration (sobre) supervisés par François pendant les vacances, nous nous installons dans notre nouvelle factory. Prochaine étape : la soirée de vernissage !
Le syndrome du Japonais à Paris
Le syndrome du Japonais à Paris toucherait plus particulièrement les touristes japonais qui, ayant une vision idéalisée de la ville, sont très déçus par la réalité et déstabilisés par le fossé culturel existant entre la France et le Japon. Leur impossibilité à reconnaitre qu’ils se sont trompé leur interdit de profiter de la réalité, et leur rends insupportable le décalage entre l’idéal et la vérité. En n’osant pas reconnaitre qu’il est dans l’incapacité d’apprécier ou de s’immerger dans un monde où les codes sont différents des siens, le japonais déprime.
C’est précisément parce que nous aimons authenticité culturelle et que nous souhaitons éviter au visiteur type de syndrome dans les musées, que nous avons crée reciproque il y a 3 ans.
Le goût du vrai
Le succès public des musées et des expositions temporaires est en constante progression. L’année passée, plus de 50 millions de personnes se sont rendues dans un musée en France. Je ne parle même pas du phénomène de l’exposition Picasso au Grand Palais et les deux derniers jours marathon d’ouverture 24/24. En début d’été 2009, les principales expositions temporaires à Paris sont véritablement submergées (ceux qui ont essayé de rentrer au Louvre ou au quai Branly ce week-end comprennent ce que je veux dire).
Par certains aspects, la consommation culturelle de certains visiteurs ressemble à celle des abonnés des salles de cinéma des années 60 (et de certaines salles encore) : les gens viennent au musée par fidélité, par leur abonnement, et demande ensuite ce qui y est « joué ».
Les musées ont-il remplacé les salles de cinéma comme lieu de culture et de sortie branchés à l’échelle humaine ? Se développe-t-il une nouvelle classe de critique muséophiles, l’expérience collective du cinéma étant réduite à télécharger un simple fichier numérique et à le consommer entre amis sur son écran LCD ? Le succès public des expositions est peut-être aussi dû au fait qu’on y voit des vraies choses, et non pas uniquement des images ou des flux…
A propos de la scénarisation de la médiation culturelle
Je termine du coffret vidéo de l’intégrale de la série « Palette » , 50 épisodes réalisé entre 1985 et 2005 par Alain Jobert. Pour ceux qui ne connaissent pas cette référence mondiale, chaque épisode s’intéresse à un seul tableau, décrypté pendant 30 minutes sous forme d’exploration esthétique, sans autres artefacts qu’une palette graphique et une voix-off chevrotante. Et c’est génial.
La démarche de pédagogie et de scénarisation de la série se base sur la découverte progressive d’énigmes. Le point de départ est toujours une très riche documentation historique et scientifique et parfois visuelle. Ce ne sont pas les énigmes elles-même qui sont intéressantes pour la médiation, mais l’aventure partagée de cette recherche ou le processus de la découverte qui séduit et enchaîne le spectateur. Ce dernier court après un secret. Et cette course devient le moteur de sa curiosité.
Les gens font des milliers de kilomètres pour aller voir des images dans des musées que bien souvent ils ne comprennent pas, car elles font référence à des univers très codés qui ne connaissent pas, malgré les fiches, malgré les textes explicatifs, malgré les cartes géographiques, et qui finissent par créer une sorte d’insatisfaction.
L’information muséale n’a pas toujours les clés pour répondre aux attentes des spectateurs. Il s’agit de révéler, mais pas n’importe quoi et pas n’importe comment. Il y a un rituel de la révélation : l’analyse stylistique, le mystère, le suspens, la mémoire personnelle sont habilement manipulés par le médiateur pour captiver son audience et conserver l’attention de chacun.
Pour lutter contre la prolifération des images, Alain Jobert choisi une écriture visuelle économe, précise, découpée en gros plans, comme une enquête policière. L’ironie est parfois présent dans le ton de la voix off, jamais bavarde. Dans chaque épisode, on partage le plaisir de la découverte.
La médiation n’a pas vocation principale d’apprentissage, car l’Histoire de l’art est plus compliquée que le simple plaisir de regarder un tableau, mais elle peut permettre de déchiffrer un mystère et de créer un « instant décisif » de compréhension, qui permet au spectateur de comprendre ce qu’il y a d’original dans une œuvre ou de jouir du message de l’artiste.
La Maison de la vache qui rit
Qu’est-ce qui est triangulaire, qui a 85 ans, dont le sourire est une icône et qui porte des boucles d’oreilles fractales ?
L’aventure du célèbre fromage fondu en portions a débuté dans le village près de Lons-Le-Saunier, sur le premier plateau jurassien, en 1921. Aujourd’hui 10 millions de portions de La vache qui rit sont dégustées chaque jour, la marque est internationalement reconnue, elle mécène des événements sportifs et poursuit son expansion culinaire aux quatre coins du monde.
C’est dans la première usine de 1926 que le groupe Bel a décidé de construire un lieu culturel, qui retrace la saga patrimoniale de la marque depuis les origines : La Maison de la vache qui rit inaugurée le 15 mai 2009, ouverte au public le 21 mai.
La vache qui rit joue à nouveau la carte de la créativité et de l’innovation qui a toujours caractérisé la marque et se propose d’inventer avec ses visiteurs, le futur de la célèbre vache rouge dans un bâtiment technologique et respectueux de l’environnement.
Au sein d’un espace d’exposition de 1500 m², l’exposition présente design, objets cultes, pastiches, films patrimoniaux, jeux vidéo et parcours multimédia pour les grands et les petits.
La MVQR a été réalisée par le cabinet d’architecture Reichen et Robert Associés, la scénographie est de Arc en Scène. Reciproque a assisté Bel dans la production des contenus audiovisuels, depuis la scénarisation du parcours multimédia jusqu’à l’intégration des dispositifs.
Eupalinos ou l’Architecte
« De tous les actes, le plus complet est celui de construire. Une oeuvre demande de l’amour, la méditation, l’obéissance à ta plus belle pensée, l’invention des lois par ton âme, et bien d’autres choses qu’elle tire merveilleusement de toi-même, qui ne soupçonnais pas de les posséder. Cette oeuvre découle du plus intime de ta vie, et cependant elle ne se confond pas avec toi…
Mais le constructeur trouve devant soi pour chaos et pour matière primitive l’ordre du monde que le Démiurge a tiré du désordre du début. La Nature est formée, et les éléments sont séparés; mais quelque chose lui enjoint de considérer cette oeuvre inachevée, et devant être remaniée et remise en mouvement, pour satisfaire plus spécialement à l’homme. »
Paul Valéry
Une nouvelle éthique du travail
Pekka Himanen, dans son essai L’éthique Hacker, soutient la thèse selon laquelle les pratiques sociales des hackers du logiciel libre véhiculent une éthique qui s’affirme en rupture profonde avec l’éthique protestante à la base du capitalisme que nous connaissons. Elle constitue une innovation sociale susceptible d’avoir une portée qui dépasse largement les limites de l’activité informatique. « L’éthique hacker devient une expression qui recouvre une relation passionnée à l’égard du travail », le hacker y étant alors « un expert ou un enthousiaste de toute nature ».
Dans l’éthique protestante du travail, le travail est une fin en soi, son moteur est le profit ou l’appât du gain. Le travail est la finalité morale et naturelle de la puissance. Le non-travail est assimilé à de l’oisiveté, qui elle-même ne peut conduire qu’à la déchéance morale. La culture capitaliste en quelque sorte.
Le moteur principal de la mise au travail des hackers consiste dans le plaisir, dans l’engagement passionné (dont Linus Torvald est la figure emblématique, et Wikipedia la réussite la plus flagrante), pas dans l’argent.
C’est une organisation productive qui, se caractérise par :
- un travail non prescrit par une autorité hiérarchique
- un travail sans séparation entre conception et exécution
- une coordination assurée par la coopération directe entre les acteurs
- l’abscence de dépendance salariale unique
Dans la version hacker du temps flexible, différentes séquences de vie comme le travail, la famille, les amis, les hobbies, sont mélangées avec une certaine souplesse de telle sorte que le travail n’occupe jamais le centre.
Au-delà de considérations éthiques, ce modèle basé sur l’ouverture des connaissances et l’innovation permanente s’avère le plus adapté pour l’activité productive de création de connaissance. A l’ère de l’information, les nouvelles informations sont crées plus efficacement en laissant la place à l’enjouement et à la possibilité d’organiser son rythme de travail.
Il faut le voir pour l’entendre
Le musée de la musique ouvre après deux ans d’un chantier de rénovation de ses espaces de présentation permanents. Tenant compte des évolutions des modalités de présentation de la collection et de la demande de médiation culturelle, le réaménagement est le fruit d’une réflexion visant à élargir le public, l’accès à la connaissance de la musique et des instruments.
Nouveaux espaces (XXe siècle, musique du monde), nouvel accrochage, meilleure contextualisation des oeuvres, meilleur confort de visite. Même si elle reste de forme classique, la nouvelle scénographie de Repérages améliore grandement le parcours muséologique.
La nouvelle présentation intègre un parcours audiovisuel cohérent et exclusif dont la bande-sonore générale est disponible grâce à l’audioguide individuel synchronisé avec les écrans et les projections vidéo. Reciproque a accompagné l’équipe du musée de la musique dans la définition, la sélection des matériels et le déploiement de l’architecture de diffusion multimédia.
Stéphane Bezombes 1997-2010